El propósito de esta nueva residencia es continuar investigando sobre los materiales que despacio van dando forma a la nueva pieza escénica de Vicent, que se estrenará en noviembre del 2026 en Valencia. El proyecto parte de la idea fundamental de hacer frente a la aceleración, creando en escena paréntesis temporales a partir de la elaboración de atmósferas. Cuando estas se materializan, se produce un lugar de salvación donde el tiempo no se mide por horas, minutos y segundos.

“RELEVO”
Residencia de encuentro y reflexión de Amaia Gabilondo y Juli Pérez del equipo de Garaion.

La palabra relevo proviene del latín relev?re: volver a levantar, aligerar el peso, sostener entre varias manos lo que una sola ya no puede. En su origen hay un gesto amable, casi íntimo, el de compartir la carga para que el camino continúe. Con el tiempo, ese acto se transformó en cambio, en sustitución, en movimiento; tomar el relevo como quien recoge una antorcha que no se apaga. La palabra relevo está directamente relacionada con palabras como relevar, relieve y aliviar, todas ellas vinculadas a la idea de sostener, desplazar o transformar una carga compartida.

Para el equipo del espacio de creación, arte & naturaleza, Garaion (www.garaion.eus), el relevo aparece como una necesidad de detenerse y mirar con conciencia el camino recorrido. Después de veinte años de hacer, de sostener procesos, encuentros y creación, surge el deseo de comprender qué ha significado realmente todo lo vivido, qué ha aportado a las artistas, al entorno y al ecosistema cultural que lo ha rodeado. Esta pausa propone un gesto de cuidado y reflexión, un tiempo para preguntarse qué merece ser guardado, qué necesita ser contado y qué puede transformarse.

Este proceso tomará forma a través de una residencia de las integrantes del equipo de Garaion en L’ animal a l’esquena, un espacio de referencia y de afecto, que supone un desplazamiento simbólico y físico desde la vertiente atlántica a la mediterránea, uniendo dos espacios de creación situados en el medio rural y conectados por trayectorias de larga experiencia.

Reunirse con otras agentes del mismo ámbito se vuelve entonces imprescindible: parar juntas, conversar, compartir experiencias y activar una mirada más profunda sobre lo que han sido y son los espacios de creación. En ese encuentro, las memorias se desplegarán desde lo intuitivo, lo emocional y lo vivido, dando valor también a los márgenes, a las minorías y a las intersecciones que habitan estos lugares. Las voces se recogerán en grabaciones, dibujos y mapas personales que, al unirse, construirán un saber común hecho de experiencia.

Así, el relevo deja de entenderse como sustitución y empieza a sentirse como un proceso de transformación consciente, una forma de seguir construyendo desde lo aprendido.

Por la tarde del equinoccio de otoño, enterré un libro, un libro que ya había sido enterrado siete años antes. Lo enterré en el círculo de encinas que está cerca de la charca, hacia la derecha del regato, subiendo hacia el túnel. Es un lugar ese círculo, que me llamaba desde inicios del pasado verano. Al poco de enterrarlo, algún animal trató de desenterrarlo. Varias veces seguidas. Arrancó varias hojas y las esparció hacia arriba de la cuesta. Era gracioso ver los trozos de las ilustraciones del Kamasutra que quedaron por los matorrales. Desde entonces voy casi cada amanecer a ver si aún ese o esos animales siguen interesados en desenterrar el libro.

“Malas Carnes” es un solo escénico que profundiza en una dramaturgia física y conceptual centrada en la objetivación del cuerpo femenino. La pieza explora la presencia, el deseo y la caída como esos de una investigación que pone el cuerpo en tensión constante. En el centro hay un cuerpo que opera desde la oposición, activado por la caída como gesto inaugural y como mecanismo de transformación, oscilando entre conciencia e inconsciencia.
La propuesta articula un juego de percepción a través de tres lentes simultáneas: el cuerpo en directo, tangible y presente; su proyección distorsionada, fragmentada; y la imagen mediada por la pantalla, amplificada a pesar de la distancia. Estas presencias conviven como espectros de un mismo cuerpo, revelando las capas de juicio, construcción y mirada externa que lo atraviesan.

Extra Motivated People - PIED PIPERS es un nuevo proyecto al aire libre de LosInformalls, basado en dos conceptos clave: por un lado, la historia del Pied Piper de Hamelin, no como un cuento de venganza, sino como una representación de una sociedad cautivado y transformado por un sonido potente, casi mágico.
Por otro lado, el concepto del "crisol", una metáfora de como las diferentes culturas, identidades y elementos se fusionan crear algo nueva, pero sin la intención de armonía.
En esto el proyecto, no busca el equilibrio; se trata de un choque de fuerzas que convierte el espacio en algo impredecible.

Un proyecto de Milagros García Salgueiro en colaboración con Alejandra Salgueiro.

Mi primera idea: realizar un proyecto con mi madre, donde ella no sea sólo mi madre sino mi compañera, mi
colaboradora, mi primera lectora, mi tutora. Mirar a mi madre como pedagoga y que mi madre mire a su hija como bailarina.
Mi segunda idea: escribir juntas un fanzine que hable sobre danza, improvisación y pedagogía. Poner en diálogo nuestras prácticas: la mía dentro del estudio de danza, la suya dentro del aula.
Mi tercera idea: pensar la redacción del fanzine como un glosario. Asignar una palabra a cada letra del abecedario y, desde allí, desplegar distintos textos que la sitúen en diálogo con los ejes del proyecto: danza, improvisación y pedagogía.

“Un huracán avanza alegremente” es una pieza escénica híbrida que combina performance, lenguaje audiovisual y danza. La obra parte de un proceso de creación compartido entre la directora, también performer, y el Junco, un joven con diversidad funcional, que acontece coprotagonista e intérprete de su propia experiencia.

María Muñoz (Valencia, 1963) y Mónica Valenciano (Las Palmas, 1961) son dos de las creadoras de danza más disruptivas, geniales y fundamentales de los últimos cuarenta años en España. Sin ellas no se entendería hoy lo que llamamos danza contemporánea.

En los ochenta se conocieron, se cruzaron en talleres y encuentros, improvisaron juntas y, a través de los años, se fueron siguiendo, mirándose en cada pieza, juntándose cada vez que podían a conversar para saber dónde estaba la una, dónde la otra.

“Por primera vez estas creadoras de danzas tan cercanas como disímiles se han juntado para sacar adelante una pieza. Lo hacen junto al coro Faraig, con ecos de la compositora italiana del siglo XVII Barbara Strozzi y con
el recuerdo de esas dos jóvenes que en los ochenta se vestían de hombre en unas calles en las que todavía no se hablaba de género y patriarcado, pero donde había que luchar por cada centímetro. Pura lucha diaria ante la cosificación, tanto social como artística, de la mujer.

Lyrics for a friend es un proyecto coreográfico y musical creado en seis manos y llevado a cabo a dos voces. Paula Ramis, Magalí Camps y Júlia Miquel se sumergen en las dinámicas y construcciones de la representación escénica musical, a través de sus diferentes formatos y géneros. Extrayendo las complejidades gestuales, convenciones sociales, así como coreográficas que se establecen al escenario, reflexionan sobre el aparato teatral detrás la música.

‘Sull’uscio’ (en la puerta) es el título provisional de una pieza donde la joven compañía de danza Apolvere quiere experimentar algunas ideas en su fase primitiva de investigación desarrollada entre L’animal a l’esquena i el centro Akropolis de Grecia.
El interés artístico al hacer esta pieza viene del hecho que los dos codirectores, que provienen respectivamente de Italia y España, actualmente están presenciando un aumento de los discursos políticos fascistas y su normalización, tanto a sus países de origen como el resto de Europa. Esto los ha dejado claro la importancia de hacer una pieza que hable sobre la organización colectiva para preservar un futuro donde la libertad de expresión y las condiciones de vida dignas no estén en peligro.

MYCO es una meditación sobre el silencio, la comunicación y la intrincada red de la vida que nos une a todos. En un mundo impregnado de ruido y prisas, este espectáculo nos recuerda que tenemos que escuchar los murmullos de los árboles, los latidos de nuestro entorno y la silenciosa poesía de la existencia. A través de la danza, se crea un espacio para la reflexión, la conexión y, en última instancia, el reconocimiento de la belleza que prospera tanto en el bosque como dentro nuestro.

Una sorprendente ósmosis hace veinte años que vincula Maria Muñoz al Clave muy Templado de Johann Sebastian Bach. La coreógrafa hace más que interpretar la música, es músico sublimando preludio y fuga, en la vivacidad y profundidad de su gesto caligráfico. Su danza cincelada revela a lo largo del tiempo la evolución de su cuerpo y la sensibilidad de su trayectoria artística. En el momento en que la edad lo obligaría a abandonar este solo convertido en compañero de vida, el Théâtre de la Ville le propone imaginar un BACH en familia, en compañía de Pep Ramis, su pareja, artista y coreógrafo, y sus tres hijos Martí, Paula y Sam, todos ellos convertidos en bailarines profesionales. Para coronar un recorrido impresionante, una obra que se confunde con la vida.

Proyecto transfronterizo y transdisciplinar sobre la figura de lo salvaje en los carnavales pirenaicos
Marta Izquierdo Muñoz (?oulouse, FR-ES), Nans ?aborde-Jourdma (Oloron & Paris, FR)
Victoria Klotz (Bagnère-de-Bigorre, FR), Montdedutor (Gérone, ES), Martxel Rodríguez (?esaka, ES)

«Créatures» en francés se traduce «criatures» en catalán y «criaturas» en occitano y en castellano. ?a forma neutra en escritura inclusiva podría escribirse «criatures», por lo que la grafía «Cre/iatures» resulta legible en las cuatro lenguas romances. «Izakiak» es la palabra vasca para designar «criaturas».

Desde hace más de treinta años, Ex nihilo desarrolla una danza situada, física, sin artificio, una danza que se inventa en contacto directo con los lugares y las personas. Su recorrido se ha construido a través de numerosas experimentaciones in situ que han permitido componer y afirmar una danza que invierte los lugares, los revela, los transforma, por el cuerpo frágil y vibrando del bailarín. Una práctica que nace siempre de su relación con el espacio urbano sucio: superficies, relevos, vientos, ritmos de la ciudad, presencias humanas, tensiones y respiraciones de un territorio.

Este proyecto coreográfico se inscribe, pues, en una reflexión profunda sobre el tiempo que pasa, que modela, que borra, pero también el que transmite y construye.
Nos apoyaremos en una memoria viva –la de los cuerpos que se han frotado en las ciudades del mundo, que han aprendido a leer los espacios, a componer con el inesperado, a hacer emerger de la poética en el encomendero para volver a cuestionar esta relación fundamental al exterior y al otro y defender una danza libre, expuesta y profundamente anclada en la realidad.

La mano y los tiempos es un proyecto de investigación artística que aborda el cuerpo en movimiento desde una perspectiva poética, crítica y de género. Centrado en la danza, explora la mano como archivo vivo, herramienta expresiva y extensión del pensamiento, reformulando la noción de espacio-tiempo en clave corporal. Indaga cómo el gesto manual construye memoria, relato y subjetividad, encarnando dimensiones históricas y culturales. Articula práctica escénica, escritura y diálogo interdisciplinar para generar conocimiento encarnado. Se desarrolla en L’animal a l’esquena, Son Tortuga (Mallorca) y Azala (Álava), y propone crear un archivo dinámico del saber corporal.