El propósito de esta nueva residencia es continuar investigando sobre los materiales que despacio van dando forma a la nueva pieza escénica de Vicent, que se estrenará en noviembre del 2026 en Valencia. El proyecto parte de la idea fundamental de hacer frente a la aceleración, creando en escena paréntesis temporales a partir de la elaboración de atmósferas. Cuando estas se materializan, se produce un lugar de salvación donde el tiempo no se mide por horas, minutos y segundos.

“RELEVO”
Residencia de encuentro y reflexión de Amaia Gabilondo y Juli Pérez del equipo de Garaion.

La palabra relevo proviene del latín relev?re: volver a levantar, aligerar el peso, sostener entre varias manos lo que una sola ya no puede. En su origen hay un gesto amable, casi íntimo, el de compartir la carga para que el camino continúe. Con el tiempo, ese acto se transformó en cambio, en sustitución, en movimiento; tomar el relevo como quien recoge una antorcha que no se apaga. La palabra relevo está directamente relacionada con palabras como relevar, relieve y aliviar, todas ellas vinculadas a la idea de sostener, desplazar o transformar una carga compartida.

Para el equipo del espacio de creación, arte & naturaleza, Garaion (www.garaion.eus), el relevo aparece como una necesidad de detenerse y mirar con conciencia el camino recorrido. Después de veinte años de hacer, de sostener procesos, encuentros y creación, surge el deseo de comprender qué ha significado realmente todo lo vivido, qué ha aportado a las artistas, al entorno y al ecosistema cultural que lo ha rodeado. Esta pausa propone un gesto de cuidado y reflexión, un tiempo para preguntarse qué merece ser guardado, qué necesita ser contado y qué puede transformarse.

Este proceso tomará forma a través de una residencia de las integrantes del equipo de Garaion en L’ animal a l’esquena, un espacio de referencia y de afecto, que supone un desplazamiento simbólico y físico desde la vertiente atlántica a la mediterránea, uniendo dos espacios de creación situados en el medio rural y conectados por trayectorias de larga experiencia.

Reunirse con otras agentes del mismo ámbito se vuelve entonces imprescindible: parar juntas, conversar, compartir experiencias y activar una mirada más profunda sobre lo que han sido y son los espacios de creación. En ese encuentro, las memorias se desplegarán desde lo intuitivo, lo emocional y lo vivido, dando valor también a los márgenes, a las minorías y a las intersecciones que habitan estos lugares. Las voces se recogerán en grabaciones, dibujos y mapas personales que, al unirse, construirán un saber común hecho de experiencia.

Así, el relevo deja de entenderse como sustitución y empieza a sentirse como un proceso de transformación consciente, una forma de seguir construyendo desde lo aprendido.

Por la tarde del equinoccio de otoño, enterré un libro, un libro que ya había sido enterrado siete años antes. Lo enterré en el círculo de encinas que está cerca de la charca, hacia la derecha del regato, subiendo hacia el túnel. Es un lugar ese círculo, que me llamaba desde inicios del pasado verano. Al poco de enterrarlo, algún animal trató de desenterrarlo. Varias veces seguidas. Arrancó varias hojas y las esparció hacia arriba de la cuesta. Era gracioso ver los trozos de las ilustraciones del Kamasutra que quedaron por los matorrales. Desde entonces voy casi cada amanecer a ver si aún ese o esos animales siguen interesados en desenterrar el libro.

“Malas Carnes” es un solo escénico que profundiza en una dramaturgia física y conceptual centrada en la objetivación del cuerpo femenino. La pieza explora la presencia, el deseo y la caída como esos de una investigación que pone el cuerpo en tensión constante. En el centro hay un cuerpo que opera desde la oposición, activado por la caída como gesto inaugural y como mecanismo de transformación, oscilando entre conciencia e inconsciencia.
La propuesta articula un juego de percepción a través de tres lentes simultáneas: el cuerpo en directo, tangible y presente; su proyección distorsionada, fragmentada; y la imagen mediada por la pantalla, amplificada a pesar de la distancia. Estas presencias conviven como espectros de un mismo cuerpo, revelando las capas de juicio, construcción y mirada externa que lo atraviesan.

Extra Motivated People - PIED PIPERS es un nuevo proyecto al aire libre de LosInformalls, basado en dos conceptos clave: por un lado, la historia del Pied Piper de Hamelin, no como un cuento de venganza, sino como una representación de una sociedad cautivado y transformado por un sonido potente, casi mágico.
Por otro lado, el concepto del "crisol", una metáfora de como las diferentes culturas, identidades y elementos se fusionan crear algo nueva, pero sin la intención de armonía.
En esto el proyecto, no busca el equilibrio; se trata de un choque de fuerzas que convierte el espacio en algo impredecible.

Un proyecto de Milagros García Salgueiro en colaboración con Alejandra Salgueiro.

Mi primera idea: realizar un proyecto con mi madre, donde ella no sea sólo mi madre sino mi compañera, mi
colaboradora, mi primera lectora, mi tutora. Mirar a mi madre como pedagoga y que mi madre mire a su hija como bailarina.
Mi segunda idea: escribir juntas un fanzine que hable sobre danza, improvisación y pedagogía. Poner en diálogo nuestras prácticas: la mía dentro del estudio de danza, la suya dentro del aula.
Mi tercera idea: pensar la redacción del fanzine como un glosario. Asignar una palabra a cada letra del abecedario y, desde allí, desplegar distintos textos que la sitúen en diálogo con los ejes del proyecto: danza, improvisación y pedagogía.

“Un huracán avanza alegremente” es una pieza escénica híbrida que combina performance, lenguaje audiovisual y danza. La obra parte de un proceso de creación compartido entre la directora, también performer, y el Junco, un joven con diversidad funcional, que acontece coprotagonista e intérprete de su propia experiencia.

María Muñoz (Valencia, 1963) y Mónica Valenciano (Las Palmas, 1961) son dos de las creadoras de danza más disruptivas, geniales y fundamentales de los últimos cuarenta años en España. Sin ellas no se entendería hoy lo que llamamos danza contemporánea.

En los ochenta se conocieron, se cruzaron en talleres y encuentros, improvisaron juntas y, a través de los años, se fueron siguiendo, mirándose en cada pieza, juntándose cada vez que podían a conversar para saber dónde estaba la una, dónde la otra.

“Por primera vez estas creadoras de danzas tan cercanas como disímiles se han juntado para sacar adelante una pieza. Lo hacen junto al coro Faraig, con ecos de la compositora italiana del siglo XVII Barbara Strozzi y con
el recuerdo de esas dos jóvenes que en los ochenta se vestían de hombre en unas calles en las que todavía no se hablaba de género y patriarcado, pero donde había que luchar por cada centímetro. Pura lucha diaria ante la cosificación, tanto social como artística, de la mujer.

Lyrics for a friend es un proyecto coreográfico y musical creado en seis manos y llevado a cabo a dos voces. Paula Ramis, Magalí Camps y Júlia Miquel se sumergen en las dinámicas y construcciones de la representación escénica musical, a través de sus diferentes formatos y géneros. Extrayendo las complejidades gestuales, convenciones sociales, así como coreográficas que se establecen al escenario, reflexionan sobre el aparato teatral detrás la música.

Sull’uscio/At the Door is the provisional title of a piece in which the young dance company Apolvere hopes to experiment with a few ideas in the early stage of research carried out between L’animal a l’esquena and the Akropolis Centre in Greece.

The artistic interest in making the piece lies in the fact that the two co-directors, who come from Italy and Spain, are currently experiencing an increase in fascist political discourse, and its normalisation, both in their home countries and in the rest of Europe. This has brought home to them the importance of making a piece that discusses collective organisation to preserve a future in which freedom of expresson and dignified living conditions are not at risk.

MYCO is a meditation on silence, communication and the intricate web of life that binds us all. In a world full of noise and hurry, this piece reminds us that we need to listen to the murmur of the trees, the beats of our surroundings and the silent poetry of existence. Through dance, a space is created for reflection, connection and, ultimately, recognition of the beauty that flourishes both in the woods and within ourselves.

A surprising osmosis twenty years ago linked María Muñoz to the Well Tempered Clavier by Johann Sebastian Bach. The choreographer does far more than merely interpret the music, she is a musician sublimating prelude and fugue, in the vivacity and depth of her calligraphic movements. Her finely carved dance has revealed, over time, the evolution of her body and the sensibility of her artistic career. At the moment when age might oblige her to give up this solo that has become a life-companion, the Théâtre de la Ville has invited her to imagine BACH en famille, in the company of her partner, the artist and choreographer Pep Ramis, and her three children Martí, Paula and Sam, all now professional dancers. To crown such an impressive career, a work that blends with real life.

A project that crosses frontiers and disciplines, on the figure of the savage in the carnivals of the Pyrenees.
Marta Izquierdo Muñoz (?oulouse, FR-SP), Nans ?aborde-Jourdma (Oloron & Paris, FR)
Victoria Klotz (Bagnère-de-Bigorre, FR), Montdedutor (Gérone, SP), Martxel Rodríguez (?esaka, SP).

“Créatures” in French translates to “criatures” in Catalan and “criaturas” in Occitan and Spanish (“creatures” in English). The inclusive, neutral form could be written as “creatures”, so that “Cre/iatures” is readable in the four romance languages. “Izakiak” is the Basque version of the word.

Depuis plus de trente ans, Ex Nihilo développe une danse située, physique, sans artifice, une danse
qui s’invente au contact direct des lieux et des personnes. Notre parcours s’est construit à travers
de nombreuses expérimentations in situ qui nous ont permis de composer et affirmer une danse
qui investit les lieux, les révèle, les transforme, par le corps fragile et vibrant du danseur. Une pratique
qui naît toujours de sa relation avec l’espace urbain brut : surfaces, reliefs, vents, rythmes de la ville,
présences humaines, tensions et respirations d’un territoire.
Ce projet chorégraphique s’inscrit donc dans une réflexion profonde que nous menons sur le temps
qui passe, qui façonne, qui efface, mais aussi celui qui transmet et qui construit.
Nous nous appuierons sur une mémoire vivante – celle des corps qui se sont frottés aux villes du monde,
qui ont appris à lire les espaces, à composer avec l’inattendu, à faire émerger du poétique dans l’ordinaire
pour réinterroger cette relation fondamentale au dehors et à l’Autre et défendre une danse libre, exposée
et profondément ancrée dans le réel.

La mano y los tiempos es un proyecto de investigación artística que aborda el cuerpo en movimiento desde una perspectiva poética, crítica y de género. Centrado en la danza, explora la mano como archivo vivo, herramienta expresiva y extensión del pensamiento, reformulando la noción de espacio-tiempo en clave corporal. Indaga cómo el gesto manual construye memoria, relato y subjetividad, encarnando dimensiones históricas y culturales. Articula práctica escénica, escritura y diálogo interdisciplinar para generar conocimiento encarnado. Se desarrolla en L’animal a l’esquena, Son Tortuga (Mallorca) y Azala (Álava), y propone crear un archivo dinámico del saber corporal.