Este es un proyecto de colaboración entre Ana Vallés, actriz-directora, y Mónica García, bailarina-coreógrafa. Ambas se conocieron en 2000 en Madrid, coincidiendo en el proceso de creación de Fine Romance de Carmen Werner (Provisional Danza). A partir de 2007 Mónica García trabaja regularmente en los espectáculos de la compañía Matarile Teatro, dirigidos por Ana Vallés.
En la residencia en L'animal a l'esquena comienzan un proceso de trabajo con la intención de crear un dúo que se presentará, con la colaboración de Baltasar Patiño, en 2018.
Pieza para ocho humanos, un caballo, pájaros, micros y dos colores.
El Acantilado es un pueblo situado por encima del suelo.
En el trabajo de grupo, nos apoyamos en la idea de que la cuestión no reside en el “qué”, sino en el “cómo”. De hecho, la búsqueda de un equipo que desarrolle su capacidad de adaptación, de transformación, sin buscar la similitud entre los integrantes, es un desafío constante.
Intentar empujar más lejos las posibilidades de cada artista, buscar la desnudez de cada uno, exige trabajar con confianza, para así poder verdaderamente arriesgarse.
Construir pequeñas ceremonias para estar juntos, bailar, cogerse, conducirse hacia una pulsación común.
Residencia de creación, dramaturgia y coreografía de manipulación del cortometraje Restos de Cosas.
El arte de la manipulación de objetos sigue siendo hoy un desconocido para el gran público. El universo que rodea la poética del objeto, su teatralidad, su evocación histórica y sociológica, ha sido explorado principalmente en territorios vinculados con las artes visuales y performáticas. El gran transmisor en el terreno cinematográfico de las infinitas posibilidades de representación a partir de la poética de objetos se encuentra en el campo de la animación, con un referente excepcional que ha provocado un cambio global de visión y paradigma: Jan Svankmajer. Paradójicamente, esta animación del objeto se encierra siempre en sus posibilidades de transformación mediante la creación de un universo fantástico. El uso de recursos formales define y de alguna forma encierra la expresividad metafórica del objeto.
LÀ
Pieza para dos humanos, un cuervo, cuatro micros y dos colores.
LÀ como un punto de cuestionamiento del presente.
LÀ como AQUI.
LÀ como ahora, como una prueba.
LÀ como una nota.
LÀ como una caída.
LÀ como una trama.
LÀ como un prólogo al Acantilado.
LÀ como un terreno allanado, un punto muerto, una suspensión.
LÀ como un momento desnudo, un momento brutal.
LÀ como una continuación de lo anterior.
LÀ como un inicio del después.
Crear LÀ, es dejar el tiempo y el lugar al dúo de Camille Decourtye y Blaï Mateu Trias para que continúen:
Explorando el terreno sin límites de la voz, de los portés y del desequilibrio.
Profundizando en la investigación de la materia, de la luz y el ritmo.
Jugando con la yuxtaposición entre lo improbable, lo abstracto, lo absurdo y lo instintivo.
WOWOWOW es un trabajo dinámico que explora tendencias colectivas y roles sociales a través de una mirada histórica y personal. Una nueva colaboración entre el colectivo de bailarines Fanclub (Dinamarca/Suecia/Noruega) y el coreógrafo y performer Quim Bigas (ES).
Cuando el colectivo Fanclub y Quim se conocieron hace un par de años, rápidamente se vieron inmersos en un diálogo artístico entorno a la común fascinación y experiencia sobre "el trabajo colectivo". Descubrieron que comparten un compromiso para sumergirse tanto en el estudio físico como en la exploración teórica de este concepto. La combinación de Fanclub como colectivo y Quim como individuo invita a la mutua exploración sobre la multiplicidad de perspectivas de la colectividad. A Fanclub y Quim les intriga llegar a los límites de sus diferentes entidades para así practicar desde una nueva plataforma en la que los cinco integrantes participan en tanto que performers, fabricantes de conceptos, investigadores, editores, curadores y activistas escénicos.
Los que comparten la misma sala de espera son lanzados como dados a formar parte de un microcosmos que tiene su propio código de conducta, de movimientos y de palabras. ¿Quién ha programado el panel electrónico, los ordenadores y las máquinas que indican donde, como y cuando activarse?
Guiados por los profesionales de la espera, los "esperantes" se mueven al compás de una coreografía inconsciente y se preguntan a menudo: ¿Quién hay detrás de la persona que espera a mi lado o de esos trabajadores encargados del funcionamiento fluido y efectivo de la espera?
Este solo de Pep Ramis nace de la necesidad específica de construir una ficción muy personal, de poner al día la experiencia de los últimos trabajos e investigar sobre los intereses artísticos presentes. Trabajar en solitario a los cincuenta años quiere decir también revisitar les herramientas acumuladas del oficio de creador escénico. Bailarín, actor y director escénico, en The mountain, the Truth & the Paradise busca un nuevo punto de inflexión.
Pep Aymerich es carpintero y también performer y artista plástico, y ha estado en L’animal en años anteriores de maneras muy diferentes. Pep Aymerich vive en Celrà y ahora nos propone una residencia ligada estrechamente a su oficio de carpintero.
La residencia consistirá en la acción de construir una silla de madera partiendo del estadio más cercano a la naturaleza: un tronco de palangre. Solo se utilizarán herramientas tradicionales en la realización de una silla, también tradicional, con una forma constructiva que sea el punto de encuentro entre la eficacia y la sencillez.
Las Muchísimas es un proyecto que se inicia en enero 2017 . Quiere dar continuidad e amplificar el proyecto escénico Las Muchas. Las Muchas reunía 6 mujeres de entre 70 y 80 años en el escenario después de un taller intensivo con la coreógrafa mallorquina Mariàntonia Oliver .
Gracias al apoyo del Teatro Principal de Mallorca, Las Muchísimas pretende reunir ahora en el escenario, a principios del 2018, a 15 señoras, que son 5 grupos provenientes de 5 diferentes ciudades, que ya experimentaron Las Muchas.
Durante el 2017, se organizarán 5 talleres-laboratorios en cada una de las ciudades colaboradoras del proyecto.
Nos interesa trabajar con el teatro local de cada ciudad , como apoyo y presentación del proyecto . El coordinador local de cada grupo, es un/a coreógrafo/a que ya ha trabajado con Mariàntonia Oliver. Este coreógrafo permitirá el vinculo y la continuidad de trabajo con las mujeres seleccionadas (las muchísimas) y el núcleo central del proyecto, la Cía. Mariàntonia Oliver establecida en la isla de Mallorca.
Hace 30 años que Alain Fourneau conoce a Geneviève Sorin. Ella es bailarina, músico, coreógrafa, improvisadora; él director de teatro, programador de espacios escénicos, provocador. Alain acompañó a Geneviève en sus inicios programando varias veces sus espectáculos en el teatro que él dirigía en Marsella. Más tarde, desde 1995, mezclaron sus respectivos roles y colaboraron en los espectáculos de uno y otro. Ahora se unen de nuevo bajo la tentativa de una nueva relación en la que ella tocará el acordeón y él recitará textos de Raymond Carver.
Un trabajo de solo suele nacer de la necesidad específica de construir una ficción muy personal, de poner al día la experiencia de los últimos trabajos e investigar sobre los intereses artísticos presentes. Trabajar en solitario a los cincuenta años quiere decir también revisitar les herramientas acumuladas del oficio de creador escénico. Músico, constructor y manipulador de objetos, dibujante, bailarín, actor y director escénico The mountain, the Truth & the Paradise busca ser un nuevo punto de inflexión.
La espiritualidad, la tragedia de la condición humana -siempre entre los dioses y el fango-, la capacidad de continuar imaginando mundos posibles... Una mirada particular, con humor, sobre la especie humana y sus derivas.
Un trabajo de solo suele nacer de la necesidad específica de construir una ficción muy personal, de poner al día la experiencia de los últimos trabajos e investigar sobre los intereses artísticos presentes. Trabajar en solitario a los cincuenta años quiere decir también revisitar les herramientas acumuladas del oficio de creador escénico. Músico, constructor y manipulador de objetos, dibujante, bailarín, actor y director escénico The mountain, the Truth & the Paradise busca ser un nuevo punto de inflexión.
La espiritualidad, la tragedia de la condición humana -siempre entre los dioses y el fango-, la capacidad de continuar imaginando mundos posibles... Una mirada particular, con humor, sobre la especie humana y sus derivas.
Durante la residencia Antonella D’Ascenzi profundizará los ejes temáticos del libro sobre danza y género que actualmente está escribiendo. En este ejercicio de escritura se encuentran los fundamentos filosóficos, sociológicos y antropológicos de su metodología, su relación con los Cultural/Gender/Dance Studies así como la reconstrucción de la investigación sobre el cuerpo femenino que la creadora lleva adelante desde casi diez años. A lado de la teoría, en el libro se explorarán las potencialidad de la escritura coreográfica de las piezas creadas dentro de sus proyectos de género, donde han participado mujeres a riesgo de exclusión social o que habían vivido maltrato o ya dentro un camino de empoderamiento así como profesionales de la educación o de las artes escénicas. Diferentes perfiles que han cuestionado un cuerpo marcado por el género.
El objetivo será perfilar una metodología de trabajo de género que pone al centro la danza-teatro como posibilidad de re-inventar el cuerpo social de las mujeres.
Un trabajo de solo suele nacer de la necesidad específica de construir una ficción muy personal, de poner al día la experiencia de los últimos trabajos e investigar sobre los intereses artísticos presentes. Trabajar en solitario a los cincuenta años quiere decir también revisitar les herramientas acumuladas del oficio de creador escénico. Músico, constructor y manipulador de objetos, dibujante, bailarín, actor y director escénico The mountain, the Truth & the Paradise busca ser un nuevo punto de inflexión.
La espiritualidad, la tragedia de la condición humana -siempre entre los dioses y el fango-, la capacidad de continuar imaginando mundos posibles... Una mirada particular, con humor, sobre la especie humana y sus derivas.
Cicatriz habla de dos personas que se encuentran y se fusionan hasta tener que separarse violentamente, generando una herida, y mucho dolor. Trata del camino para trascender la herida, sanar, cicatrizar. Trata de la belleza de unos cuerpos que conservan señales de haber vivido.
Cicatriz habla del amor como una herida que nos enseña a sanar. Un acto poético de entrega absoluta, sin reservas, sin miedo. Un camino que nos lleva, a través del otro, de regreso a nosotros.
Entre el 13 y el 24 de marzo, Mal Pelo hará una gira de su creación 2015 por cuatro ciudades francesas: Théâtre des Quatre Saison, Gradignan, Théâtre Les Sept Collines-Sene Conventionnée, Tulle, L’Estive-Scene National de Foix y de L’Ariège y Espace Jéliote, Oloron- Sainte-Marie. Con motivo de esta gira, Mal Pelo combinará los ensayos del espectáculo con la residencia de Marta Izquierdo.
La frontera franco-española ha sido durante mucho tiempo una separación geográfica fantasmeada o abstracta. Pero se trata de una frontera natural muy concreta: los Pirineos.
Exiliada voluntaria en Francia desde hace quince años, en este nuevo proyecto, Marta Izquierdo Muñoz experimenta esta frontera, recorriéndola físicamente, interesándose así por el paisaje y las leyendas que lo habitan. El imaginario coreográfico de Marta Izquierdo está alimentado por los Pirineos, esa frontera natural marcada por trágicos desplazamientos como lo fueron los de los exiliados republicanos.
La joven compañía valenciana De Soprano y Arpa prepara su primera producción escénica para público infantil que será estrenada en mayo de 2017 en el Palau de la Música de Valencia.
Sus principales señas de identidad son la música en directo y la adaptación de obras orquestales al arpa y a la voz de una soprano, llevándolas a espacios no convencionales y acercándolas a todo tipo de público.
En un territorio preparado, extendida la recolección, Natalia Espinet nos propone una red de estratos con conexión múltiple donde transcurrir y dejar convivir diferentes recursos en directo: danza, palabra, acción, cotidiano. Una instalación en continuo movimiento donde las preguntas, materiales, experiencias funcionan como motores de la búsqueda. Respondiendo o no, construyendo o destruyendo, estando en el deseo de hacer o no hacer, en la duda que aparece o se disipa, la propuesta se va completando y modificando.
BRINCADEIRA nace en 2004 a raíz de los encuentros de percusión en el Parc de la Ciutadella de Barcelona. A lo largo de sus 11 años de trayectoria, Brincadeira evoluciona de ser un grupo de batucada a ser una compañía de percusión que fusiona la expresión corporal con la musicalidad, creando melodías a través del movimiento.
Gracias a esta fusión, Brincadeira ha tenido la oportunidad de participar en grandes producciones con la compañía Brodas Bros, Salvador Niebla, Hansel Cereza, etc.
En L’animal a l’esquena trabajarán un formato en estático de su trabajo EVOLUTION para presentar en diversos festivales internacionales. Su objetivo es mejorar la intención de sus movimientos para ganar más expresividad en la interpretación del espectáculo.
Jaleo, en el mundo del flamenco es más que una palabra… o algo menos… es un sonido, un grito, un impulso, un gemido o una respiración. Es todo aquello que desde dentro o fuera de nosotros mismos, nos hace continuar, nos anima, nos alienta o nos reta.
En esta primera fase de investigación guiada por María Muñoz y junto a los músicos Antonio Moreno (percusión) y Alfredo Lagos (guitarra flamenca) donde Leonor Leal, comenzará a compartir y componer, a través de un folklor común, reescrito, viajado y revisitado, una escena flamenca y polifacética.
Folklore, flamenco y teatro musical de compositores contemporáneos se pondrán sobre la mesa para dialogar entre ellos.
Un golpe bailado, un baile que golpea y una guitarra que canta.
WeWood es un trabajo en proceso en el que Federica Porello, Marine Broise y Xavi Moreno investigan los puentes entre danza y manipulación de objetos. Su interés se centra en la relación entre gestos y cosas, y específicamente en cómo poder dar concreción al gesto y a la abstracción a las cosas.
En sus encuentros anteriores han ido definiendo herramientas para la improvisación con objetos, construyendo una práctica a partir de la cual desarrollar escenas para la creación.
En relación al movimiento, palabras como dinámica, fraseo, precisión, musicalidad e intensidad han ido acompañando su proceso de definición; y en cuanto a su relación con los objetos, verbos como: animar, manipular, integrar, poseer, construir e imaginar.
